Notre très chère Marine fait partie de :
KILL THE COW
Concert entrecoupé de propos sur l’amour et de massages sensuels
HERVÉ GUILLOTEAU / GROSSE THEÂTRE
Création automne 2011
lien du site de la compagnie
ici le dossier du spectacle de la compagnie
Une première étape a eu lieu au TU de Nantes.
En septembre 2009, Hervé Guilloteau - artiste associé au TU-Nantes - et Grosse Théâtre ont mis en
route un travail de recherche et d'expérimentation théâtrales baptisé Grosse Labo.
Grosse Labo, « c’est un cercle d’artistes à qui je confie mon cerveau, de manière à le vider de quelques obsessions. Je souhaite échanger nos points de vue sur des faits, des observations, des connaissances, des fantasmes… autant de motifs pour initier un travail à la scène ».
Grosse Labo, c’est donc un groupe qui palpe l’air du temps, cherche, invente, questionne la nécessité
du théâtre. L’aventure privilégie l’écriture au plateau et invite le public à participer à ses tentatives.
Dans ce contexte, les acteurs sont d’abord considérés comme des penseurs, leurs propositions constituant les fondements même du dispositif et du propos. La collaboration avec de nouveaux
auteurs est aussi au cœur des préoccupations du Grosse Labo.
A suivre...
samedi 28 mai 2011
mardi 10 mai 2011
Hypercut / La compagnie "La Passée." /
Voici un des projets d'une nouvelle compagnie créee par Laurent Cazanave. Voici un bon moyen de rencontrer la Passée Compagnie.
C'est l'Histoire d'un rêve.
L’Association « La Passée » a été créée le 30 Novembre 2010 à Sèvres. Elle est régie par la loi du 1er Juillet 1901. Sa durée est illimitée. Elle a été publiée au journal officiel le 29 janvier 2011.
L’Association « La Passée » a pour but la promotion des expressions artistiques par l’écriture, la création théâtrale, la musique, la danse, le chant et toute intervention dans le domaine des arts de la scène, dans des lieux publics et privés, en France et à l’étranger. Elle a également pour but la création d’un lieu dédié à ces activités.
L’association s’associera en priorité pour la création de ses spectacles à des comédiens, metteurs en scène, musiciens, danseurs, artistes dont la liste sera validée par le Conseil d’Administration.
Laurent CAZANAVE en est le Directeur artistique. Sa mission sera de proposer ou de coordonner les différents projets de l’association.
Laurent Cazanave travaille aujourd’hui essentiellement avec des comédiens issus des Enfants de la Comédie, école et troupe au sein desquelles il a étudié de 1993 à 2006.
Il s’associe également avec des anciens élèves de l’Ecole du TNB et en particulier avec ceux de sa promotion.
Il faut savoir que cette compagnie a de multiples projets... Voici une sélection de ceux qui pourraient intéresser nos fidèles lecteurs de ce blog.
Le projet va être présenté
- le 25 juin 2011 dans le cadre du Point du Jour en scène à Boulogne Billancourt,
- du 6 septembre au 2 octobre au Bouffon Théâtre à Paris
- le 18 Novembre au Sel à Sèvres.
En parallèle Laurent Cazanave présentera une lecture de « l’Hiver (ou Hypercut) » extrait de 4 saisons écrit par laurent cazanave avec 5 comédiens issus du TNB. (Voir au début du post...)
Mais aussi :
-Création d’un spectacle musical ,
-Accueil de l’équipe de création d’un projet autour de l’Europe, « Europe Fluxus »
-Création de « Elle sait » (titre provisoire)
-Création de « Elle sait » (titre provisoire)
etc...
Pour plus d'infos, et pour suivre l'actualité de cette "nouvelle" compagnie ambitieuse, voir son site.
Studio Lab, Théâtre Universitaire Nantes. Variations Solitude.
RECHERCHE EXPERIMENTATION FABRICATION
En ce moment même, avec Marie Laure Crochant pour la mise en scène, Laurent Cazanave comme collaborateur artistique, Stéphane Fromentin au son, Benedicte Joly à la lumière et à la scèno, Nicolas Lelievre à la vidéo, et enfin Simon le Moullec et Guiseppe Molino au jeu, à partir d'un texte de Koltès, au T-U.
Théâtre
Représentations du 18 au 20 mai 2011 au TU.
Les studiolabs ouvrent leurs portes :
Le TU propose à des artistes et collectifs des temps de recherche et d'expérimentation, à l' issue desquels les orientations et les partis pris s'affinent et s'affirment. Partez à la découverte de créations en chantier...
Durée : 45 min...
ENTREE LIBRE, sur réservation.
Lieu : T.U. (Théâtre Universitaire)
Chemin de la Sensive du Tertre (Tram Petit Port/Fac)
44300 NANTES
Tél : 02.40.14.55.14
La Triste Désincarnation d'Angie la Jolie à Dijon.
On reprend le spectacle, en cette année 2011, once again, à Dijon, pour le festival Théâtre en Mai.
à l'atheneum
mardi 24 mai à 19h,
mercredi 25 mai à 19h
et jeudi 26 mai à 19h
Produit de théâtre
Angelina Jolie est un phénomène. Une star, capable d’être sensibilisée aux crises humanitaires lors d’un tournage d’un blockbuster hollywoodien comme de vendre à prix d’or les photos de ses enfants pour mieux maîtriser son image... Un pur produit de l’industrie et des médias, exploré avec curiosité et insolence par Marine de Missolz et son équipe.
Né en 2008 lors d’une carte blanche aux élèves de l’École du Théâtre National de Bretagne,la Triste désincarnation d’Angie la Jolie est repris deux ans plus tard. L’occasion pour l’équipe emmenée par la metteur en scène Marine de Missolz de prolonger
et approfondir le travail, transformant une proposition d’atelier en spectacle.
Comme Marine de Missolz l’explique, la Triste désincarnation d’Angie la Jolie « est le titre d’une tragédie. Parce qu’on dirait qu’avoir une vie médiatique d’une telle ampleur, ça finit par déposséder de soi. La Triste désincarnation d’Angie la Jolie est donc une tragédie. Certes ! Qui fait son miel d’articles people, de paroles de fans, d’Angelina Jolie herself, de chorégraphies de Lara Croft et de rap arborigène, oui ! Mais aussi d’extraits de la pièceVous qui habitez le temps de Valère Novarina où l’auteur interroge l’homme sur ce qui fait la consistance d’un corps, de la parole, d’un esprit ! Cette Angie est surtout l’héroïne involontaire d’un théâtre osé, différent, absurde et jouissif. »
Pourquoi Angelina Jolie ?
Parce que c’est la star la plus médiatisée aujourd’hui.
C’est une bonne raison pour qu’on en parle…
Parce qu’un matin dans mes toilettes, je suis tombée sur un article du magazine Closer qui stipulait que d’après des témoins et des proches, elle avait une relation
Parce qu’un matin dans mes toilettes, je suis tombée sur un article du magazine Closer qui stipulait que d’après des témoins et des proches, elle avait une relation
avec son garde du corps, et que ça m’a fascinée, allez savoir pourquoi...
Parce que l’école de théâtre dans laquelle j’étais nous offrait la possibilité de monter un projet de mise en scène, et que l’idée de travailler un texte existant ne diffusait pas en moi d’imaginaires faramineux, à mon grand dam, sans doute parce que les textes de théâtre que j’aime m’apparaissent trop bien écrits pour que je puisse y ajouter quelque chose.
Marine de Missolz
Mode d'emploi par Marine de Missolz
J’ai dit aux huit acteurs : allez vous documenter sur Angelina Jolie et voyez ce que vous pouvez en faire. Au bout de très grandes discussions, chacun a développé un certain nombre d’actes isolés sur le plateau, et ce à partir de matières diverses : articles de magazines people, interviews de l’actrice, paroles de fans volées sur Internet, improvisations travaillées, textes écrits pour l’occasion. Nous avons en parallèle entrepris un travail chorégraphique à partir d’un examen minutieux de la gestuelle du personnage virtuel Lara Croft du jeu vidéo Tomb Rider, dont Angelina Jolie est la représentante au cinéma. Nous avons par ailleurs petit à petit incorporé certains textes de Vous qui habitez le temps, pièce que j’ai à coeur depuis très longtemps et que j’avais envie de rapprocher de cette histoire-là. Nous avons veillé à ce qu’ils n’apparaissent pas comme des contrepoints discursifs, mais plus comme des conséquences naturelles découlant du reste de la matière utilisée, mêlée à elle. L’élaboration des propositions de plateau des acteurs s’est donc faite sur des compromis de rêves, d’envies, de questionnements, de projections que nous avions les uns par rapport aux autres. Je voulais faire apparaître la personnalité de mes camarades, et bâtir mon spectacle sur le conflit de
leurs positionnements très marqués et divers.
mise en scène Marine de Missolz
avec Benjamin Barou-Crossman, Christelle Burger, Julie Duchaussoy, Manuel Garcie Kilian, Julien Polet, Anne-Sophie Sterck, Yoan Charles, Vanille Fiaux.
lumière Patricia Deschaumes, musique et vidéo Jonathan Seilman, costumes Laure Fonvieille
production Le Trident-Scène nationale de Cherbourg-Octeville, le Théâtre National de Bretagne
production déléguée Le Trident Scène nationale de Cherbourg-Octeville
création Le Trident, Scène nationale de Cherbourg-Octeville du 4 au 8 mai 2010
jeudi 5 mai 2011
jeudi 28 avril 2011
Terrain Vague - Mise en scène Benjamin Barou-Crossman.
Terrain Vague
" Terrain Vague " raconte l’histoire du cirque Romanès, de ce petit cirque familial que les institutions ont mis à l’écart de la société, sur un terrain vague. Nous suivons les péripéties de cette communauté tsigane qui répète afin de faire advenir un nouveau spectacle et qui vit selon ses propres règles à l’écart de celles prônées par la société occidentale. L’argent, la mode, la réussite sociale, le pouvoir ne les intéressent pas. Nous suivons les
rebondissements de cette famille portée par l’incroyable couple Irina et Baltazar. Une histoire d’amour complexe et intense. C’est l’histoire d’ une communauté tsigane à l’humour ravageur et aux histoires invraisemblables avec les assistantes sociales, les policiers, les loubards du
quartier…
Chapiteau du Cirque Romanès
42-44 bd de Reims 75017 Paris
Metro porte de Champerret
ou Metro Péreire
rebondissements de cette famille portée par l’incroyable couple Irina et Baltazar. Une histoire d’amour complexe et intense. C’est l’histoire d’ une communauté tsigane à l’humour ravageur et aux histoires invraisemblables avec les assistantes sociales, les policiers, les loubards du
quartier…
Chapiteau du Cirque Romanès
42-44 bd de Reims 75017 Paris
Metro porte de Champerret
ou Metro Péreire
Mise en scène Benjamin Barou-Crossman.
Dramaturgie Alexandre Romanès.
Assistante à la mise en scène Marine de Missolz.
Comédiens Benjamin Barou-Crossman,
Marine de Missolz, Aïcha Finance, Jonathan Genet,
Karine Gonzalez, Jean-Luc Mingot.
Régie son et lumière Gautier Doussot.
les 5/6/7 mai 2011 à 20h30
Terrain Vague
jeudi 14 avril 2011
Quelques "apparitions" d'Emilie Quinquis dans "Numerica Rockestra" à Rennes.
Numerica Rockestra : alliant machines dynamiques, guitare puissante, violoncelle aux envolées surprenantes, ce groupe rennais revient sur la scène du Jardin Moderne pour présenter (enfin) son 1er album intitulé At(h)ome, melting pot rock-electro-hip hop.
Thavius Beck : fort de ses collaborations avec Saul Williams, Busdriver et K-The-I, ce rappeur/producteur, signé sur le label Big Dada, est un spécialiste des sons déstructurés aux Bpm affolés : entre hip-hop, électronique, rock et sons futuristes west coast. Pour introduire la soirée, une surprise est en cours de programmation...
samedi 16 avril · 20:00 - 23:00
Au jardin Moderne à Rennes
mercredi 23 mars 2011
Laurent Cazanave, nominé aux Molières.
Molière du jeune talent masculin :
Grégory Benchenafi
Mike
Laurent Cazanave
Brume de dieu
Benjamin Jungers
La Maladie de la famille M.
Guillaume Marquet
Le Dindon
Davy Sardou
Le Nombril
Liste complète en pdf en cliquant ici.
Grégory Benchenafi
Mike
Laurent Cazanave
Brume de dieu
Benjamin Jungers
La Maladie de la famille M.
Guillaume Marquet
Le Dindon
Davy Sardou
Le Nombril
Liste complète en pdf en cliquant ici.
No comment.
-------------
jeudi 17 mars 2011
dimanche 6 mars 2011
Un jour en été
De Jon Fosse
Où sont les morts ? Comment leur parler ? Comment les retrouver ? Une femme attend son mari. Il a disparu en barque sur un fjord. Pendant toute une nuit, son inquiétude ne cesse de grandir. Ses amis ne parviennent pas à l’apaiser. Il ne reviendra pas, malgré les recherches. Elle l’attendra toute une nuit, elle l’attendra toute sa vie… Après Rêve d’automne dans la mise en scène de Patrice Chéreau, l’occasion de découvrir un texte du même auteur par une jeune metteur en scène pleine de promesses.
Avec
Anne-Sophie Sterck La jeune femme et La femme âgée
Julie Duchaussoy La jeune amie et L’amie âgée
Maxime Kerzanet Asle
Yoan Charles L’homme
Guillaume Martigné Violoncelle
Représentations à la Chapelle du Grand T à Nantes.
Du lundi 14 au vendredi 18 mars à 20h
durée du spectacle 2 h environ
RENCONTRES ET CONFERENCES AUTOUR DU SPECTACLE
-Conférence sur Jon Fosse
par Charlotte Bucharles
mercredi 19 janvier 2011 à 18h
à la billetterie du Grand T, passage Pommeraye (entrée libre) _
De
Jon Fosse
Traduction du norvégien
Terje Sinding
Mise en scène
Charlotte Bucharles
Collaboration artistique
Igor Bucharles
Création lumières
Pauline Guyonnet
Régie lumières
Jean-Christophe Guillemet
Réalisation des costumes
Valérie Bigeard
Construction du décor
Ateliers du Grand T
Production La Compagnie de l’entre Coproduction Le Grand T - Scène conventionnée Loire-Atlantique, Théâtre d’Arras - Scène conventionnée musique et théâtre, et avec la participation du Théâtre National de Bretagne
Avec le soutien de la Maison des Associations du 3ème arrondissement de Paris, avec la participation artistique du Jeune Théâtre National, avec la participation artistique de l’ENSATT, et avec l’aide de la SPEDIDAM
LA SPEDIDAM est une société de perception et de distribution qui gère les droits des artistes interprètes en matière d’enregistrement, de diffusion et de réutilisation des prestations enregistrées.
Un jour en été, dans la traduction de Terje Sinding, est publié aux éditions de L’Arche, 2000. L’Arche est éditeur et agent théâtral du texte représenté.
Où sont les morts ? Comment leur parler ? Comment les retrouver ? Une femme attend son mari. Il a disparu en barque sur un fjord. Pendant toute une nuit, son inquiétude ne cesse de grandir. Ses amis ne parviennent pas à l’apaiser. Il ne reviendra pas, malgré les recherches. Elle l’attendra toute une nuit, elle l’attendra toute sa vie… Après Rêve d’automne dans la mise en scène de Patrice Chéreau, l’occasion de découvrir un texte du même auteur par une jeune metteur en scène pleine de promesses.
Avec
Anne-Sophie Sterck La jeune femme et La femme âgée
Julie Duchaussoy La jeune amie et L’amie âgée
Maxime Kerzanet Asle
Yoan Charles L’homme
Guillaume Martigné Violoncelle
Représentations à la Chapelle du Grand T à Nantes.
Du lundi 14 au vendredi 18 mars à 20h
durée du spectacle 2 h environ
RENCONTRES ET CONFERENCES AUTOUR DU SPECTACLE
-Conférence sur Jon Fosse
par Charlotte Bucharles
mercredi 19 janvier 2011 à 18h
à la billetterie du Grand T, passage Pommeraye (entrée libre) _
De
Jon Fosse
Traduction du norvégien
Terje Sinding
Mise en scène
Charlotte Bucharles
Collaboration artistique
Igor Bucharles
Création lumières
Pauline Guyonnet
Régie lumières
Jean-Christophe Guillemet
Réalisation des costumes
Valérie Bigeard
Construction du décor
Ateliers du Grand T
Production La Compagnie de l’entre Coproduction Le Grand T - Scène conventionnée Loire-Atlantique, Théâtre d’Arras - Scène conventionnée musique et théâtre, et avec la participation du Théâtre National de Bretagne
Avec le soutien de la Maison des Associations du 3ème arrondissement de Paris, avec la participation artistique du Jeune Théâtre National, avec la participation artistique de l’ENSATT, et avec l’aide de la SPEDIDAM
LA SPEDIDAM est une société de perception et de distribution qui gère les droits des artistes interprètes en matière d’enregistrement, de diffusion et de réutilisation des prestations enregistrées.
Un jour en été, dans la traduction de Terje Sinding, est publié aux éditions de L’Arche, 2000. L’Arche est éditeur et agent théâtral du texte représenté.
La Terrasse, entretien avec Laurent Cazanave et Julie Duchaussoy.
Pour le Hors-Serie "Formations Artistiques", nos deux camarades ont été interviewé. Voici ce qui a été gardé dans le journal.
Entre sécurité et angoisse
Julie Duchaussoy a vingt-six ans. Cette jeune comédienne a été formée à l’Ecole de Théâtre du TNB, à Rennes, sous la houlette de son directeur, Stanislas Nordey.
Une école est souvent influencée par la personnalité de son directeur. Que dire de Stanislas Nordey ?
Julie Duchaussoy : L’identité de l’école tient beaucoup à sa personnalité. A l’arrivée dans l’école, on a passé un mois avec lui, en travaillant à la table. Il nous lisait des textes sur le théâtre, nous racontait des anecdotes, nous énonçait des sortes de règles d’or : un acteur doit être intelligent et heureux ; il doit être généreux. Il parlait d’hospitalité aussi, nous invitant à accueillir les metteurs en scène, les intervenants et les méthodes. Ça m’a donné envie d’être souple. J’ai apprécié qu’on nous annonce qu’on ne nous mettrait pas en danger. Il n’y avait pas de représentation publique à la fin des ateliers. On n’avait pas vraiment de pression. Avancer d’un demi centimètre, c’était déjà bien ! Mais en même temps, ça m’a causé une sorte d’angoisse permanente parce que j’avais l’impression d’être sous une loupe qui nous regardait grandir !
« Peut-être faudrait-il une école sans murs… »
Quelles étaient les conditions matérielles de la formation ?
J. D. : Une formation se fait dans un lieu. Mais demeurer toujours dans le même lieu est parfois déroutant parce qu’il est difficile d’y vivre quelque chose de très fort pour le retrouver ensuite avec un autre intervenant. Je me disais qu’il aurait été intéressant que chaque atelier ait lieu dans un endroit différent. Ça fait un an que je travaille et que cette idée se confirme en moi : arriver dans un lieu inconnu à chaque fois, ça rend libre. Pendant la formation à l’école, on nous a envoyés à Liège dans le cadre du projet d’échange Prospero : j’ai beaucoup appris de cette aventure.
Qu’avez-vous appris après l’école ?
J. D. : Après l’école, j’ai suivi une formation d’une semaine avec Lupa. C’était passionnant ! Mais à un moment, j’ai éprouvé le besoin de travailler, et j’ai fait un bond énorme en me sentant désirée par quelqu’un qui m’engage. Le statut d’élève, paradoxalement, ne m’aidait plus. J’avais peur, peur d’avoir peur, et depuis que je travaille j’ai beaucoup moins peur. A l’école, personne ne vient vous voir jouer, donc vous ne vous sentez pas obligé, pas engagé. Or, c’est très excitant d’être obligé ! Maintenant que je travaille, je ferais volontiers des ateliers pour continuer à apprendre. Apprendre avec Lupa, c’était bien parce que c’est quelqu’un d’ailleurs. Cela a manqué dans ma formation. Les Français apprennent aux Français à faire du théâtre. Peut-être faudrait-il une école sans murs…
Propos recueillis par Catherine Robert
Apprendre le dialogue
Formé à l’école des Enfants de la Comédie dès l’âge de cinq ans, Laurent Cazanave, jeune comédien de vingt-deux ans, a suivi les cours de l’Ecole de Théâtre du TNB, à Rennes.
Que retenez-vous de votre formation à l’Ecole du Théâtre du TNB ?
Laurent Cazanave : Ce que je retiendrai surtout de ces trois ans, c’est que la formation se fait avec des artistes en activité, qui sont aussi des employeurs potentiels. De vraies rencontres ont lieu et les metteurs en scène questionnent leur travail avec nous. La formation n’est pas seulement théorique mais offre des conditions de répétition qui impriment un rythme de travail et de vie. C’est une école où on travaille comme dans un laboratoire. Il n’y a pas de programme fixé à l’avance : tout se fait en fonction de l’avancée des élèves. On travaille essentiellement sur le théâtre contemporain et peu sur le théâtre classique, mais en fonction des rencontres, on touche à plusieurs formes de théâtre (textes purs, poésie sonore, danse, marionnettes, récit) et on découvre plein de choses. A la sortie, cette vision des différents théâtres permet de choisir son théâtre. Le TNB travaille beaucoup sur la personne, l’être humain au plateau. On est incité à partir de soi et de ce qu’on est, ce qui n’est pas forcément facile à mettre en place quand on est acteur. Les élèves apprennent à dialoguer avec le metteur en scène et à apporter leur pierre au spectacle.
« Dans ce métier, on continue toujours à apprendre. »
Avez-vous continué d’apprendre après l’école ?
L. C. : Je me rends compte qu’il y a des choses que je pensais connaître et que je redécouvre avec le recul. Après l’école, assez sécurisante, on continue à apprendre et à progresser. Et puis on apprend à gérer le statut d’intermittent, à choisir des projets. Tout le côté administratif de la profession, on ne l’apprend pas à l’école. Dans ce métier, on continue toujours à apprendre. J’espère avoir toujours envie d’apprendre et d’apporter ma vision au metteur en scène comme lui m’apprend des choses. Rennes m’a appris ça : le dialogue. Mais tout l’apprentissage reçu a été possible parce qu’avant le TNB, l’école des Enfants de la Comédie m’en avait donné envie. Il faut d’abord acquérir la passion et l’amour de ce métier.
Propos recueillis par Catherine Robert
Entre sécurité et angoisse
Julie Duchaussoy a vingt-six ans. Cette jeune comédienne a été formée à l’Ecole de Théâtre du TNB, à Rennes, sous la houlette de son directeur, Stanislas Nordey.
Une école est souvent influencée par la personnalité de son directeur. Que dire de Stanislas Nordey ?
Julie Duchaussoy : L’identité de l’école tient beaucoup à sa personnalité. A l’arrivée dans l’école, on a passé un mois avec lui, en travaillant à la table. Il nous lisait des textes sur le théâtre, nous racontait des anecdotes, nous énonçait des sortes de règles d’or : un acteur doit être intelligent et heureux ; il doit être généreux. Il parlait d’hospitalité aussi, nous invitant à accueillir les metteurs en scène, les intervenants et les méthodes. Ça m’a donné envie d’être souple. J’ai apprécié qu’on nous annonce qu’on ne nous mettrait pas en danger. Il n’y avait pas de représentation publique à la fin des ateliers. On n’avait pas vraiment de pression. Avancer d’un demi centimètre, c’était déjà bien ! Mais en même temps, ça m’a causé une sorte d’angoisse permanente parce que j’avais l’impression d’être sous une loupe qui nous regardait grandir !
« Peut-être faudrait-il une école sans murs… »
Quelles étaient les conditions matérielles de la formation ?
J. D. : Une formation se fait dans un lieu. Mais demeurer toujours dans le même lieu est parfois déroutant parce qu’il est difficile d’y vivre quelque chose de très fort pour le retrouver ensuite avec un autre intervenant. Je me disais qu’il aurait été intéressant que chaque atelier ait lieu dans un endroit différent. Ça fait un an que je travaille et que cette idée se confirme en moi : arriver dans un lieu inconnu à chaque fois, ça rend libre. Pendant la formation à l’école, on nous a envoyés à Liège dans le cadre du projet d’échange Prospero : j’ai beaucoup appris de cette aventure.
Qu’avez-vous appris après l’école ?
J. D. : Après l’école, j’ai suivi une formation d’une semaine avec Lupa. C’était passionnant ! Mais à un moment, j’ai éprouvé le besoin de travailler, et j’ai fait un bond énorme en me sentant désirée par quelqu’un qui m’engage. Le statut d’élève, paradoxalement, ne m’aidait plus. J’avais peur, peur d’avoir peur, et depuis que je travaille j’ai beaucoup moins peur. A l’école, personne ne vient vous voir jouer, donc vous ne vous sentez pas obligé, pas engagé. Or, c’est très excitant d’être obligé ! Maintenant que je travaille, je ferais volontiers des ateliers pour continuer à apprendre. Apprendre avec Lupa, c’était bien parce que c’est quelqu’un d’ailleurs. Cela a manqué dans ma formation. Les Français apprennent aux Français à faire du théâtre. Peut-être faudrait-il une école sans murs…
Propos recueillis par Catherine Robert
Apprendre le dialogue
Formé à l’école des Enfants de la Comédie dès l’âge de cinq ans, Laurent Cazanave, jeune comédien de vingt-deux ans, a suivi les cours de l’Ecole de Théâtre du TNB, à Rennes.
Que retenez-vous de votre formation à l’Ecole du Théâtre du TNB ?
Laurent Cazanave : Ce que je retiendrai surtout de ces trois ans, c’est que la formation se fait avec des artistes en activité, qui sont aussi des employeurs potentiels. De vraies rencontres ont lieu et les metteurs en scène questionnent leur travail avec nous. La formation n’est pas seulement théorique mais offre des conditions de répétition qui impriment un rythme de travail et de vie. C’est une école où on travaille comme dans un laboratoire. Il n’y a pas de programme fixé à l’avance : tout se fait en fonction de l’avancée des élèves. On travaille essentiellement sur le théâtre contemporain et peu sur le théâtre classique, mais en fonction des rencontres, on touche à plusieurs formes de théâtre (textes purs, poésie sonore, danse, marionnettes, récit) et on découvre plein de choses. A la sortie, cette vision des différents théâtres permet de choisir son théâtre. Le TNB travaille beaucoup sur la personne, l’être humain au plateau. On est incité à partir de soi et de ce qu’on est, ce qui n’est pas forcément facile à mettre en place quand on est acteur. Les élèves apprennent à dialoguer avec le metteur en scène et à apporter leur pierre au spectacle.
« Dans ce métier, on continue toujours à apprendre. »
Avez-vous continué d’apprendre après l’école ?
L. C. : Je me rends compte qu’il y a des choses que je pensais connaître et que je redécouvre avec le recul. Après l’école, assez sécurisante, on continue à apprendre et à progresser. Et puis on apprend à gérer le statut d’intermittent, à choisir des projets. Tout le côté administratif de la profession, on ne l’apprend pas à l’école. Dans ce métier, on continue toujours à apprendre. J’espère avoir toujours envie d’apprendre et d’apporter ma vision au metteur en scène comme lui m’apprend des choses. Rennes m’a appris ça : le dialogue. Mais tout l’apprentissage reçu a été possible parce qu’avant le TNB, l’école des Enfants de la Comédie m’en avait donné envie. Il faut d’abord acquérir la passion et l’amour de ce métier.
Propos recueillis par Catherine Robert
vendredi 18 février 2011
«Il faut arriver à vivre au présent»
Nous en parlions ici , maintenant, ça joue !
Nadia Xerri-L. nous revient avec une histoire de famille, d’amour, d’hommes et de… football ! Des années après un match historique, d’anciens internationaux de l’équipe de France se retrouvent. Ce ne sont plus les célébrités d’autrefois, leurs vies ont changé de cours. Que deviennent les joueurs ? Comment vivent-ils le retour à un certain anonymat ? Sur le fond d’une fête forcée et nostalgique, un double coup de théâtre se prépare, qui ne laissera personne intact.
-Ecriture et mise en scène : Nadia Xerri-L.
-Avec : David Botbol, Bertrand Ducher, Olivier Dupuy, Shams El Karoui, Vanille Fiaux, Hervé Guilloteau, Clara Pirali, Jean-Jacques Simonian.
-Livre édité disponible chez Acte-Sud
Tournée 2010-2011 15 au 17 février 2011 : Le Volcan – Le Havre (création) 1er et 2 mars 2011 : Théâtre de l’Agora – Evry 11 mars 2011 : La Coupole – Saint Louis 15 au 18 mars 2011 : Le Granit – Belfort 25 mars 2011 : Théâtre de Brétigny 5 avril 2011 : La Piscine – Châtenay-Malabry 6 mai 2011
Nadia Xerri-L. nous revient avec une histoire de famille, d’amour, d’hommes et de… football ! Des années après un match historique, d’anciens internationaux de l’équipe de France se retrouvent. Ce ne sont plus les célébrités d’autrefois, leurs vies ont changé de cours. Que deviennent les joueurs ? Comment vivent-ils le retour à un certain anonymat ? Sur le fond d’une fête forcée et nostalgique, un double coup de théâtre se prépare, qui ne laissera personne intact.
Dans un décor aux lumières changeantes, des comédiens à fleur de peau
-Avec : David Botbol, Bertrand Ducher, Olivier Dupuy, Shams El Karoui, Vanille Fiaux, Hervé Guilloteau, Clara Pirali, Jean-Jacques Simonian.
-Livre édité disponible chez Acte-Sud
Tournée 2010-2011 15 au 17 février 2011 : Le Volcan – Le Havre (création) 1er et 2 mars 2011 : Théâtre de l’Agora – Evry 11 mars 2011 : La Coupole – Saint Louis 15 au 18 mars 2011 : Le Granit – Belfort 25 mars 2011 : Théâtre de Brétigny 5 avril 2011 : La Piscine – Châtenay-Malabry 6 mai 2011
jeudi 10 février 2011
dimanche 30 janvier 2011
Théâtre des Quartiers d’Ivry / Bruno Meyssat / Avec aussi Anne Sophie Sterk...
Bruno Meyssat met en scène la catastrophe écologique après le naufrage de la plateforme BP aux USA
Le 20 avril 2010, dans le Golfe du Mexique, peu avant 22 heures, une explosion suivie d’un très violent incendie ont ravagé la plate forme pétrolière Deeepwater Horizon. Elle sombrera le lendemain. Sur les 126 travailleurs présents, 11 ont disparu et 17 ont été blessés. Inventer/proposer un spectacle dont le sujet est un fait de société qui émerge – ou revient avec insistance – dans la presse – lors des mois qui précéderont les répétitions. Choisir “ ce fait ” en privilégiant son caractère de symptôme du monde où nous vivons. Certains événements qui surgissent ou s’installent dans l’espace collectif (un monde extérieur) ont d’étroites correspondances avec ce qui se passe de façon contemporaine à l’échelle de l’individu (un monde intérieur). Ils viennent matérialiser dans l’espace (celui où on peut se déplacer) ces forces agissantes qui nous habitent ou tourmentent nos vies privées. Dans le “ grand jour ” du monde paraissent ces sensations obscures et innommées de nous-mêmes. L’actualité nous tend comme un bilan biologique de ce qui nous atteint, car l’actualité nous atteint. Le metteur en scène Bruno Meyssat est parti de ce naufrage en s’appuyant sur des faits précis. Un travail presque journalistique. Et d’ailleurs dans le spectacle vous allez entendre une voix connue, la correspondante aux USA de Radio France, Fabienne Sintès. Bruno Meyssat s’est longuement entretenu avec elle, et il s’est inspiré de la réalité factuelle pour en tirer une matière théâtrale.
Le Monde extérieurMacando 1952Conception et réalisationBruno MeyssatassistanteVéronique Mailliardscénographie plateauet lumièrePierre-Yves BoutrandBruno MeyssatOlivier MortbontempsFranck Bessonunivers sonoreDavid MoccelinavecGaël BaronPierre-Yves BoutrandJulie MoreauAnne-Sophie SterckMarie-Laure Vrancken
Théâtre des Quartiers d’Ivry2 > 12 FÉVRIER 2011à 20h sauf le jeudi 19h – relâche dimanche 6 Févrierlieu des représentationsStudio Casanova69 av Danielle Casanova à Ivry-sur-SeineMétro ligne 7 Mairie d’Ivry – RER ligne C Ivry-sur-Seine
jeudi 27 janvier 2011
mercredi 26 janvier 2011
En ce moment, à la Colline, Bulbus mis en scène par Daniel Jeanneteau (avec Julien Polet notamment...)
Bulbus
de
Anja Hilling
mise en scène et scénographie
Daniel Jeanneteau
collaboration artistique et lumières
Marie-Christine Soma
avec
Ève-Chems de Brouwer, Dominique Frot, Johan Leysen, Serge Maggiani, Julien Polet, Marlène Saldana
création
Grand Théâtre
du 19 janvier 2011 au 12 février 2011
du mercredi au samedi à 20h30, le mardi à 19h30 et le dimanche à 15h30
“Au-dessus autour de nous la glace.
À côté de moi la femme que j’aime.
Je ne sais pas qui elle est, mais elle
est nue et moi de même.”
À côté de moi la femme que j’aime.
Je ne sais pas qui elle est, mais elle
est nue et moi de même.”
À Bulbus, au pied de la montagne, la vie suit son cours. Ici il y a l’hiver, mais la maladie est un mot inconnu et le médecin un être de légende. Les gens de Bulbus paraissent simples ; le soir, sur la piste de curling, ils parlent de leurs affaires, du temps, des poules, rarement d’eux-mêmes. Manuel et Amalthéa s’y croisent pour la première fois, jeunes gens marqués au dos par la foudre et qui semblent saisis d’un amour gémellaire. Pour eux, à Bulbus il fait froid, très froid. Comme pris dans la glace, le temps paraît figé. Village fantôme d’un passé qui ne peut ou ne veut pas passer, Bulbus incarne le symptôme d’une pathologie oublieuse, mise en scène sous la forme d’un conte mêlant la trivialité du réel au mystère. Pour Daniel Jeanneteau et Marie-Christine Soma, ce conte a la grâce inquiétante des paysages nordiques, mais aussi la noirceur d’une trame policière. Dans un monde d’apparence simple, il laisse affleurer le poids de la mémoire gelée, qui empêche une génération de succéder à l’autre, et la piège dans son désir d’oubli. Bulbus somnole, mais laisse percer sous la glace une pulsation de vie. Anja Hilling écrit comme on parle, son théâtre, narratif autant que suggestif, est doué d’une vive invention ; théâtre d’épidermes écorchés et d’émotions brutes, il est aussi d’une profonde poésie.
Photo © Élisabeth Carecchio
Lumière d'août "prend" la Bastille... Avec "notre" Duchaussoy. (Pas Julia, mais Julie... :)
Les Dirigés face au changement, Propriété, Peloton, Cabaret Quéquette.
Dans le cadre de HORS-SERIE III
Alexis Fichet / Bérengère Lebâcle
Dans le cadre de HORS-SERIE III
Alexis Fichet / Bérengère Lebâcle
TEXTE LAURENT QUINTON MISE EN SCÈNE ALEXIS FICHET DISTRIBUTION JULIE DUCHAUSSOY ET BÉRENGÈRE LEBACLE >> programmé dans le cadre du festival Hors Série au Théâtre de la Bastille >> du 21 au 26 février 2011 à 21h (relâche le 23)  |
Ces propositions alternent critique sociale et jeux de formes artistiques pour s’achever sur un très jouissif Cabaret Quéquette, un récital surprenant au service des mots du poète Christian Prigent.
Texte et entretien avec Alexis Fichet – Compagnie Lumière d’Août
Aude Lavigne : Alexis Fichet, c’est la première fois que vous présentez le travail de la compagnie Lumière d’août au Théâtre de La Bastille. C’est une compagnie encore jeune, créée en août 2004, racontez nous vos débuts.
ALEXIS FICHET : Nous sommes six personnes au sein de la compagnie : Nicolas Richard, Alexandre Koutchevsky, Juliette Pourquery de Boisserin, Laurent Quinton, Marine Bachelot et moi–même. Nous nous sommes tous connus à l’université 22 à Rennes en faculté de lettres. Nous faisions partie de l’association de théâtre qui s’appelait Amphi-théâtre et certains d’entre nous animaient une revue littéraire intitulée Le Panier de crabe. Mais ce qui nous a vraiment soudé, c’est la participation à une sorte de grand « raout » organisé par Roland Fichet, mon père, auteur et metteur en scène à Saint-Brieuc. Intitulé Pièces d’identités, c’était un événement qui reposait sur des commandes d’écriture passées à des jeunes auteurs, comme Eléonore Weber,par exemple. Cette expérience nous a permis de voir que nous étions vraiment amis et que nous avions envie de faire des choses ensemble. Ce qui est important, c’est que nous discutons avec facilité et sans rivalité de notre travail, nous pouvons critiquer le texte de l’un ou de l’autre sans que personne ne s’offusque. C’est l’esprit de base de notre compagnie : un espace de dialogue critique. Depuis, deux fois par an, nous nous réunissons tous les six dans une maison, loin de Rennes où nous vivons, et pendant une semaine nous discutons du travail et de nos vies.
Aude Lavigne : Qu’est -ce qui vous réunit artistiquement ?
ALEXIS FICHET : La différence par rapport à d’autres compagnies de théâtre, c’est que dans notre groupe, il n’y a pas de comédiens, mais des gens qui écrivent. C’est une compagnie d’auteurs, même si trois d’entre nous sont aussi metteurs en scène et que Nicolas Richard performe ses textes. Comme le nom de notre compagnie l’indique, Lumière d’août - titre du roman de William Faulkner -, notre référence de départ est plus la littérature que le théâtre. Ce qui signifie que nous croyons dans le fait qu’une langue, la manière dont on parle, dont on dit les choses, fait aujourd’hui sens et que c’est ça qu’il faut entendre. Il s’agit d’abord d’écrire et ensuite nous réfléchissons à comment le partager. C’est pour cette raison que nous avons développé de nombreuses formes théâtrales, courtes ou longues, lues ou jouées, proposées dans différents espaces, bus, aéroport, bar, théâtre. Le théâtre est un moyen qui permet de partager des types d’écritures très différentes. La spécificité de Lumière d’août c’est donc écrire avec le souci de trouver la meilleure forme pour partager ces écritures. Nous ne souhaitons pas rester entre nous et dès la première année, comme nous n’avions pas d’argent, nous avons fait des lectures tous les mois dans des lieux différents. Nous avons compris que le théâtre, au sens large, permet de faire entendre des écritures pointues, bizarre ou jeunes dans des endroits où, soit disant, on ne pouvait pas les faire entendre. Ainsi un texte comme Façade de Nicolas Richard, une poésie parfois très abstraite qui repose sur une description répétitive d’immeubles, a été lu dans une boucherie, ou les pieds dans un étang. Ce qui ne veut pas dire que la salle noire ne soit pas parfois la meilleure condition pour faire entendre un texte.
Aude Lavigne : Comment pourriez -vous nous présenter le programme que vous proposez au Théâtre de la Bastille ?
ALEXIS FICHET : Nous avons dû faire des choix. C’est un programme qui correspond à un des axes importants que nous menons au sein de la compagnie et que nous appelons « DI-VI-SI-ON-LI-RE » . C’est un champs qui est admiratif de la poésie sonore. Ce n’est pas à strictement parler de la poésie sonore, qui est un travail sur la déstructuration du langage, mais ce sont plutôt des expériences liées à l’acte oral. Comment mettre son corps dans une lecture, avec quelle énergie dit-on un texte … c’est l’endroit de la langue performée. Le programme est donc une suite de petites formes performatives qui commence avec un texte de Laurent Quinton que j’ai mis en scène et qui s’appelle Les Dirigés face au changement. C’est un petit texte rapide qui tourne autour d’une seule idée : aujourd’hui les dominants assument de manière décomplexée le tort qu’ils font aux dominés. A partir de la phrase de Patrick Lelay « ce que nous vendons à Coca-Cola, c’est du temps de cerveau disponible », Laurent Quinton met en parallèle un meurtrier qui avoue ses crimes sans vergogne. C’est une pièce assez simple, assez drôle mais qui pose des choses assez graves finalement. On voit bien, par exemple, comment la gauche actuelle est désemparée face à cette politique qui annonce ses forfaitures à l’avance. C’est la forme la plus théâtrale de la soirée. Ensuite viennent deux lectures/performances. Dans Propriété, nous nous amusons à brouiller les pistes. Avec Nicolas Richard, nous lisons tous les deux un texte de manière synchronisée et le spectateur ne sait pas à qui attribuer le texte. Nous entremêlons nos textes en quelque sorte. Dans Peloton, Nicolas Richard est seul. Il propose un ensemble de textes courts de formes et de sujets très variables. Et puis la soirée se termine sur un vrai cabaret,Le Cabaret Quéquette, sur de textes de Christian Prigent. C’est un auteur que nous aimons beaucoup, un des premiers avec lequel nous avons travaillé. La comédienne Bérangère Lebâcle et le guitariste Jérémie Cordonnier ont composé des chansons avec ces textes. C’est une fois de plus une manière vivante et jouissive pour entendre des écritures recherchées.
La soirée est très stimulante et même si elle ne montre pas tout le travail de Lumière d’août, on perçoit bien les circulations qui existent entre nous. Il y a une atmosphère familiale que nous aimerions partager avec les gens.
Aude Lavigne : Alexis Fichet, c’est la première fois que vous présentez le travail de la compagnie Lumière d’août au Théâtre de La Bastille. C’est une compagnie encore jeune, créée en août 2004, racontez nous vos débuts.
ALEXIS FICHET : Nous sommes six personnes au sein de la compagnie : Nicolas Richard, Alexandre Koutchevsky, Juliette Pourquery de Boisserin, Laurent Quinton, Marine Bachelot et moi–même. Nous nous sommes tous connus à l’université 22 à Rennes en faculté de lettres. Nous faisions partie de l’association de théâtre qui s’appelait Amphi-théâtre et certains d’entre nous animaient une revue littéraire intitulée Le Panier de crabe. Mais ce qui nous a vraiment soudé, c’est la participation à une sorte de grand « raout » organisé par Roland Fichet, mon père, auteur et metteur en scène à Saint-Brieuc. Intitulé Pièces d’identités, c’était un événement qui reposait sur des commandes d’écriture passées à des jeunes auteurs, comme Eléonore Weber,par exemple. Cette expérience nous a permis de voir que nous étions vraiment amis et que nous avions envie de faire des choses ensemble. Ce qui est important, c’est que nous discutons avec facilité et sans rivalité de notre travail, nous pouvons critiquer le texte de l’un ou de l’autre sans que personne ne s’offusque. C’est l’esprit de base de notre compagnie : un espace de dialogue critique. Depuis, deux fois par an, nous nous réunissons tous les six dans une maison, loin de Rennes où nous vivons, et pendant une semaine nous discutons du travail et de nos vies.
Aude Lavigne : Qu’est -ce qui vous réunit artistiquement ?
ALEXIS FICHET : La différence par rapport à d’autres compagnies de théâtre, c’est que dans notre groupe, il n’y a pas de comédiens, mais des gens qui écrivent. C’est une compagnie d’auteurs, même si trois d’entre nous sont aussi metteurs en scène et que Nicolas Richard performe ses textes. Comme le nom de notre compagnie l’indique, Lumière d’août - titre du roman de William Faulkner -, notre référence de départ est plus la littérature que le théâtre. Ce qui signifie que nous croyons dans le fait qu’une langue, la manière dont on parle, dont on dit les choses, fait aujourd’hui sens et que c’est ça qu’il faut entendre. Il s’agit d’abord d’écrire et ensuite nous réfléchissons à comment le partager. C’est pour cette raison que nous avons développé de nombreuses formes théâtrales, courtes ou longues, lues ou jouées, proposées dans différents espaces, bus, aéroport, bar, théâtre. Le théâtre est un moyen qui permet de partager des types d’écritures très différentes. La spécificité de Lumière d’août c’est donc écrire avec le souci de trouver la meilleure forme pour partager ces écritures. Nous ne souhaitons pas rester entre nous et dès la première année, comme nous n’avions pas d’argent, nous avons fait des lectures tous les mois dans des lieux différents. Nous avons compris que le théâtre, au sens large, permet de faire entendre des écritures pointues, bizarre ou jeunes dans des endroits où, soit disant, on ne pouvait pas les faire entendre. Ainsi un texte comme Façade de Nicolas Richard, une poésie parfois très abstraite qui repose sur une description répétitive d’immeubles, a été lu dans une boucherie, ou les pieds dans un étang. Ce qui ne veut pas dire que la salle noire ne soit pas parfois la meilleure condition pour faire entendre un texte.
Aude Lavigne : Comment pourriez -vous nous présenter le programme que vous proposez au Théâtre de la Bastille ?
ALEXIS FICHET : Nous avons dû faire des choix. C’est un programme qui correspond à un des axes importants que nous menons au sein de la compagnie et que nous appelons « DI-VI-SI-ON-LI-RE » . C’est un champs qui est admiratif de la poésie sonore. Ce n’est pas à strictement parler de la poésie sonore, qui est un travail sur la déstructuration du langage, mais ce sont plutôt des expériences liées à l’acte oral. Comment mettre son corps dans une lecture, avec quelle énergie dit-on un texte … c’est l’endroit de la langue performée. Le programme est donc une suite de petites formes performatives qui commence avec un texte de Laurent Quinton que j’ai mis en scène et qui s’appelle Les Dirigés face au changement. C’est un petit texte rapide qui tourne autour d’une seule idée : aujourd’hui les dominants assument de manière décomplexée le tort qu’ils font aux dominés. A partir de la phrase de Patrick Lelay « ce que nous vendons à Coca-Cola, c’est du temps de cerveau disponible », Laurent Quinton met en parallèle un meurtrier qui avoue ses crimes sans vergogne. C’est une pièce assez simple, assez drôle mais qui pose des choses assez graves finalement. On voit bien, par exemple, comment la gauche actuelle est désemparée face à cette politique qui annonce ses forfaitures à l’avance. C’est la forme la plus théâtrale de la soirée. Ensuite viennent deux lectures/performances. Dans Propriété, nous nous amusons à brouiller les pistes. Avec Nicolas Richard, nous lisons tous les deux un texte de manière synchronisée et le spectateur ne sait pas à qui attribuer le texte. Nous entremêlons nos textes en quelque sorte. Dans Peloton, Nicolas Richard est seul. Il propose un ensemble de textes courts de formes et de sujets très variables. Et puis la soirée se termine sur un vrai cabaret,Le Cabaret Quéquette, sur de textes de Christian Prigent. C’est un auteur que nous aimons beaucoup, un des premiers avec lequel nous avons travaillé. La comédienne Bérangère Lebâcle et le guitariste Jérémie Cordonnier ont composé des chansons avec ces textes. C’est une fois de plus une manière vivante et jouissive pour entendre des écritures recherchées.
La soirée est très stimulante et même si elle ne montre pas tout le travail de Lumière d’août, on perçoit bien les circulations qui existent entre nous. Il y a une atmosphère familiale que nous aimerions partager avec les gens.
EXTRAIT
A. (regarde autour de lui et s’assure qu’il est tout seul.) — Pour Baudrillard, la parole de Patrick Lelay crée une petite révolution dans l’histoire des luttes sociales en France. Jusqu’alors, les dominants prenaient le soin de dissimuler leurs actions les plus néfastes derrière un voile d’hypocrisie ou de mensonge. Lorsqu’ils faisaient quelque chose qu’ils savaient être moralement ou socialement condamnable, ils ne l’avouaient pas. Il y avait une sorte de culpabilité qui les obligeait à l’hypocrisie. Ce qu’a inauguré Lelay, c’est exactement le contraire : la déculpabilisation. Ce qu’on appelle ces jours-ci : la droite décomplexée. Et…
(A. entend un bruit. Il se retourne. Rien. Reprend.)
A. — Et, selon Baudrillard, ce changement qui a l’air psychologique au premier abord, est en fait stratégique. C’est une stratégie, perverse, des dominants pour contrer la critique sociale et morale.
(B. s’approche doucement de A., sans que A. l’entende.)
A. — Parce que ce qui change aussi en fait, c’est le rôle de la critique sociale et morale. Jusqu’alors, cette critique se faisait fort de débusquer les actions malfaisantes des dominants. La critique sociale et morale, de gauche surtout, jouait un rôle de dévoilement de la vérité du capitalisme et de son oppression. Elle disait…
(A. s’aperçoit de la présence de B. derrière lui.)
A. — Ah non ! Tu dégages !
B. — Mais…
A. — Tu dégages, je te dis !
B. — Je suis juste là pour écouter.
A. — Non non, tu es là pour m’interrompre, et pour me donner ton avis. Tu ne me laisses pas parler !
B. — Je ne t’interromprai pas, promis. Je veux juste entendre ce que dit Baudrillard. S’il te plaît…
A. (se calme. Silence. Puis :) — On n’est pas d’accord, entendu ? Je ne veux pas que tu me dises qu’on est d’accord ! Moi je te dis qu’on n’est pas d’accord. Tu comprends ?
Inscription à :
Articles (Atom)